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100のモノが語る世界の歴史--大英博物館展

東京都美術館(トビカン)で6月28日まで開催中の
選び抜かれた100の展示品を通して人類200万年の歴史を通観する、
壮大にして大胆な試みです。

解説も懇切丁寧で、「こんな歴史の見方があったのか!」と目を開かせてくれます。

タンザニアで原初の人類が手にした礫石器から、
21世紀の中国製ソーラーランプまで。
つくられた時代も場所も、互いに遠く隔たったモノの数々が、
今、目の前に、一堂に並ぶ事実を思うとワクワクしますね。

会場構成も美しく、かつ丁寧。
200万年を見事に切り分けた8つの章ごとに、
年表(日本史との比較もあり)と世界地図に作品をプロットしています。
一点一点を巡るストーリーも詳しく解説され、歴史の中にしっかり位置付けてくれます。

日本生まれの展示品も登場。

まず、第1章「創造の芽生え」BC2万年-BC2500年に、縄文土器が。
縄文土器って、世界最古の土器なんですね。そんなことも知りませんでした。
しかも、今回の展示品のおもしろいのは、19世紀の加工あとがあること。
縄文鉢の内側に金を貼って蓋を付け、茶道の水指として使っていたらしい。
いったいどんな茶人が、どんなお茶会に使っていたのか、妄想が膨らみます。

次はちょっと飛んで、第7章「大航海時代と新たな出会い」1500年-1800年。
オランダ東インド会社がヨーロッパに送った、柿右衛門の象の置物が登場します。
鎖国当時の日本の陶工は、いったいどんな思いで、
遠い他国の人に届ける、他国の生き物の姿を造形したのでしょうか。

そして、最終章の第8章「工業化と大量生産が変えた世界」1800年ー、には2点。
北斎漫画と、鉄製の、ヘビの自在置物。
どちらも、開国後の日本から輸出され、海外で人気を博したものだそうです。
匠の技とマンガは、昔も今も世界に誇る日本文化ですね。

写真は「第1章」の会場風景。主催者の許可を得て撮影したものです。
Britishm
この展覧会はトビカンを皮切りに、
九州国立博物館、神戸市立博物館を巡回する予定で、
各会場がそれぞれ「101点目」を選んで展示するそうです。

トビカンが選んだのは、あのプリツカー賞建築家の...、
これ以上はネタバレになるので控えます。

私は会期中にもう一度行きたいと思っています。
超オススメの展覧会です。

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国立新美術館「マグリット展」

国立美術館で6月29日まで開催中のマグリット展に行ってきました。
同時開催のルーヴル美術館展と両方見れば、当日100円引きです。

国内では13年ぶりの回顧展とのことですが、
何よりもまず、その充実ぶりに圧倒されました。
世界各国から集められた作品は、約130点!
比べるのはおかしいかもしれないけれど、ルーヴル展より50点ばかし多い。
個人蔵の作品も数多く含まれているので、これは貴重な鑑賞機会かもしれません。

商業デザインに携わった期間が長いだけに、平明な描写表現、
ある意味分かりやすいといえなくもないシュールな世界。
文字もたくさん描き込まれているので、
初歩的なフランス語の知識はあったほうがいいかも。
(そのぐらいの注釈、キャプションに付けてくれたらいいのに...)

個人的には、戦前戦後の短い間に突如表れる、
ルノワール風やフォーヴィズム風の作品が新鮮でした。
こんなの描いてたんだ...。

とはいえ、最も多く展示されているのは円熟期の作品です。
王道の回顧展ではないでしょうか。

【この展覧会、私の一点】
人物のいない「光の帝国」、1950年の作。
明るい青空の下に、闇に沈む街並みがあり、一本の街灯が光を放つ。
絵本の1ページのような、静謐で美しい作品です。

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映画「だれも知らない建築のはなし」

ドキュメンタリー映画「だれも知らない建築のはなし」の試写会に
参加してきました。

建築に興味のある人なら絶対おもしろいし、建築にかかわる人には絶対見て欲しい。
近代建築史が活き活きと語られ、
そして、これから建築はどのような役割を果たすべきか、深く考えさせられます。

映画は、10人の建築関係者への単独インタビューを繋ぎ合わせつつ、
間に、話題に上る建築や、時代背景を物語る資料映像を挟み込む構成になっています。

と、書くと、静的な映画のようですが、
巧みな編集によって、インタビュイー同士の忌憚のない批判が、
臨場感あふれるディスカッションのように、ドラマチックに展開します。

たとえば、建築批評家のチャールズ・ジェンクスが、
自ら定義づけた「ポストモダン」について熱く語った直後に、
批評される対象である建築家ピーター・アイゼンマンが登場して
「あいつは、“ハメルンの笛吹き”だから」とこき下ろすくだりなど、爆笑もの。

アイゼンマンは、ポストモダンについてはボロかすでしたね(笑)。
世界的には、1988年のMOMAの「脱構築主義者の建築展」によって
ポストモダンの流行に終止符が打たれたと語っています。
ただ、「日本でだけは、その後もしばらく生き延びたのだ」

この映画はもともと、昨年開催された
「ヴェネツィア・ビエンナーレ国際建築展」日本館のためにつくられた映像を
劇場用に再構成したものといいます。

このビエンナーレの総合ディレクターが、
映画にも登場するレム・コールハースでした。
そして、ビエンナーレ史上初めて、
ナショナルパビリオン共通のテーマが掲げられたそうです。
それは「Absorbing Modernity 1914-2014(近代の吸収 1914-2014)」。
そのために制作された本作が、同じテーマを踏襲しているのは当然のことですね。

映画は
「第一章 70年代に遡って」
「第二章 日本のポストモダン建築」
「第三章 コミッショナープロジェクト」
「第四章 バブルがはじけて」の4つに章立てられています。

インタビュイーとして登場する建築家は5人。
磯崎新、安藤忠雄、伊東豊雄、レム・コールハース、ピーター・アイゼンマン。
その共通項は、1982年にアイゼンマンの呼びかけで行われた
国際建築家会議「P3会議」に参加していたことでした。

「P3会議」とは、試写で配られた資料によれば
「アメリカで多くの商業的な高層ビルが建てられて行った時代で、
そういったものに建築家がどう関わるか激しく議論していたんですね。
当時も新しい建築家像が、重要なテーマとしてあったんです」
(監督・石山友美さんのコメント)

この会議を「あまりにも底が浅かった」と酷評したコールハースが、
今では「建築家がいないかのような建築」を目指して高層ビルをいくつも手掛けている。
会議の最も忠実な継承者のように読み取れるのも歴史の皮肉と思われました。

「建築家には、社会に貢献できているという満足感が得られていない」と
語るコールハース。
「その焦燥感のはけ口が、日本の建築家にとっては震災、
自分にとってはビエンナーレだ。ここでは震災は起きていないが」
と結びます。

あ、ストーリーが完結した。

鑑賞中は、この映画に主役がいるとすれば、それは磯崎さんかな、
と思っていたのですが、意外や、コールハースだったのかもしれません。
公開は5月下旬から。
東京は渋谷・宮益坂上の「シアター・イメージフォーラム」で。

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フェルメール「地理学者」と「天文学者」

現存するフェルメールの作品は、わずか30数点。
そう考えると、東京でただじっと待っているだけの割には、
けっこうな点数を見てきたといえるかもしれない。
中でも、2点しかないという男性単身像は、2点とも見たことになります。

これと対になっている「天文学者」を見てきました。

前者には地球儀、後者には天球儀が描きこまれていて、
そのどちらも、いつ、誰によって製作されたものか解明されているほど、精密に描写されています。

画面左に窓、人物の奥にキャビネットがあり、壁に絵が飾られた構図も同じ。
それぞれの机にはゴブラン織りの布が掛けられているなど、要素も似ている。

でも、よく似た窓は欄間の形が違うし、
地理学者は立っていて、天文学者は座っているなど、
それぞれに異なり、見比べていると飽きることがありません。

モデルの顔はなぜかぼかされているけれど、同一人物のように見える。
そして、着衣の色は「地理学者」がブルー、「天文学者」はグリーン。
両方とも「ヤポンス・ロック」=「日本の上着」というのも、日本人の心をくすぐります。

2つの絵が描かれた1668年・1669年といえば、日本は江戸幕府四代将軍徳川家綱の時代。
つまり、長崎でオランダと通商していた頃ですね。

そのときオランダにもたらされた日本の着物(の模造品)が、
彼の地の裕福な市民の間で流行していたことに思いを馳せると
ますます感興は深くなります。

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ルーヴル美術館展 日常を描くー風俗画にみるヨーロッパ絵画の神髄

国立新美術館で6月1日まで開催中の「ルーヴル美術館展」に行ってきました。

膨大なコレクションを誇るルーヴル美術館ゆえ、
企画展もその都度、趣向を凝らして編集されるようです。

直近の東京での「ルーヴル美術館展」といえば、一昨年の東京都美術館
このときのテーマは、ヨーロッパ文化揺籃の地「地中海」。
つまり、「地理」の軸でルーヴルが擁する8美術部門を串刺しにするものでした。

対して、今回のテーマは「風俗画」。つまり「ジャンル」軸です。

展示には2段構えの「プロローグ」があり、
まず、オリエントやエジプトなど古代美術部門から、風俗画の起源を示し、
次に、「歴史画」「肖像画」「風景画」「静物画」という
他ジャンルの作品と比較しながら「風俗画」を位置付けて見せます。

本編は16世紀初頭から19世紀半ばまでのヨーロッパ各地の名画の数々。
時間も地域も超えて「労働と日々」「室内の女性」など主題別に展示されています。
人々の日常生活の情景が描かれているだけに、
見る人もイメージが膨らむのか、観覧者同士のおしゃべりが弾んでいました。

ただ、作品を深く理解するためには
それぞれが描かれた地域や時代背景を知りたいところ。
せめて、その作家が活躍した国(が、今のどこの国に該当するか)ぐらい
キャプションに書き込んであればいいのに、と思いました。
もっとも、表記をどう統一するかと考えれば、かなり難しそうですが。

「風俗画」といわれると、いろんな意味でスケールが小さい印象もありますが、
誰にも見覚えがあるような傑作も多数出展されています。
目玉はもちろんフェルメールの「天文学者」でしょう。これについては稿を改めます。

ヴェネツィア派の巨匠ティツィアーノ、クエンティン・マセイスやブリューゲル、
スペイン・バロックのムリーリョ、ロココのヴァトー、ブーシェ、シャルダン...と
どれもじっくり鑑賞できて感動的でした。

【私の一点】
この展覧会で出会った印象的な一点は「コローのアトリエ」。たぶん初見。
1873年頃の制作とあるので、コロー晩年の作品ですね。
マンドリンを手にカンバスを見つめる、後ろ姿の若い女性、
アトリエの風景とカンバスの中の風景の対比。物語があって、愛らしい小品でした。

写真は1983年のバルビゾンの街。すっかりセピア色ですね。
生まれて初めての海外旅行(主目的はパリ)でした。
駅からタクシーで行って、迎えに来てもらうまで、
時間をつぶすのに苦労した思い出が(^^ゞ

1983315001

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